Q. 경운박물관에서 열리고 있는 선생님의 백수 기념 전시 제목은 〈First & Forever〉입니다. 선생님 인생을 ‘First’와 ‘Forever’라는 두 단어로 나눠본다면, 각각 어떤 시간이라고 할 수 있을까요?

‘First’는 한국에서 패션 디자이너로 처음 일을 시작했던 시간을, ‘Forever’는 그 일을 오랫동안 계속해 온 시간을 의미합니다. 지금은 저 혼자만의 일이 아니라 2세와 3세가 함께 이어가는 일이 됐기 때문에 ‘노라 노’라는 이름이 앞으로도 계속 이어졌으면 하는 마음이 있습니다.

Q. 선생님께서 걸어오신 시간이 하나의 전시로 정리된 것을 보니 한국 현대 복식의 역사와 같다는 생각이 들었습니다.

제가 특별한 일을 했다기보다 좋아서 한 일인데, 시간이 지나고 나니 그것이 그 시절을 보여주는 자료가 됐더군요. 예전 고객들로부터 제가 디자인했던 옷 1000벌 이상을 기증받아 정리하고 있어요. 옷은 유행이 지나면 사라지는 것 같지만, 막상 지나고 보면 그 시대를 가장 잘 보여주는 기록이 되는 것 같습니다. 이제는 우리나라에도 옷을 제대로 보관하고 연구할 수 있는 복식 박물관이 필요하다고 생각합니다. 그래도 이번 전시가 잘된 것 같아 기분이 좋습니다.

Q. 요새도 스케치나 디자인을 하시나요?

요새는 체력도 떨어졌고, 예전처럼 일하는 속도가 빠르지 않아요. 한 2~3년 전부터는 지난 자료 정리에 온 시간을 쏟고 있는데, 남은 시간에 비해 정리할 게 왜 이리 많은지. 게다가 2028년에는 캐나다 토론토의 로열온타리오박물관에서 한국 패션의 역사를 소개하는 전시에 참여하게 되어 그 자료도 정리하고 있어요. 이제 한국 패션도 하나의 역사가 되어 세계적인 박물관에서 다뤄지는 시기를 맞이한 것 같아 의미 있게 생각하고 있습니다.

Q. ‘양단 아리랑 드레스’가 2014년에 ‘국가등록문화유산’으로 지정됐어요.

제3회 미스코리아 진이었던 오현주 씨가 1959년 미스 유니버스 대회에 나갈 때 만든 옷입니다. 그 대회에는 각 나라의 전통의상을 입는 순서가 있었는데, 한복을 전통적인 스타일 그대로 입고 나가면 세계 무대에서는 조금 약해 보일 수도 있겠다 싶었어요. 그래서 한국적인 분위기를 살리면서도 세계 무대에서 돋보일 수 있는 한복 드레스를 만들어야겠다고 생각했죠. 한복의 선과 색 같은 한국적인 요소는 살리고 형태는 드레스로 디자인했는데, 그게 ‘양단 아리랑 드레스’예요. 그 옷이 그때 큰 주목을 받았고, 그 이후로 한국을 대표하는 드레스의 본보기처럼 남게 됐어요. 그런데 그 옷이 처음 나온 때로부터 70년 가까이 지난 최근에 BTS 컴백 프로젝트를 통해 대중에 다시 소개됐다고 하더라고요. 프로젝트의 테마가 ‘아리랑’이라서 잘 맞아떨어진 것 같습니다. 옷이란 것이 한 시대에 머무는 게 아니라, 시간이 지나 새로운 의미로 읽힐 수도 있음을 새삼 다시 느꼈습니다.

Q. 많은 사람들이 선생님의 옷을 두고 “타임리스하다”고 말합니다. 유행을 따르기보다 오래 입을 수 있는 옷을 만들기 위해 선생님이 중요하게 생각하신 것은 무엇이었나요?

저는 디자이너 입장에서 옷을 만든 게 아니라, 늘 고객의 입장에서 옷을 만들었어요. 옷은 작품이 아니라 사람이 입는 거니까. 입었을 때 편해야 하고, 오래 입을 수 있어야 해요. 그래서 바느질이나 단추 하나에도 신경을 굉장히 많이 썼어요. 제 오래된 고객들이 말씀하시기를 우리 집 옷은 아무 때 입어도 ‘타임리스’다, 10~20년 된 옷도 여전히 입을 수 있다고 해요. 한 고객은 “노 여사 옷은 20년 됐는데도 단추 하나가 안 떨어져”라고 얘기하더라고요. 그렇게 만들었기 때문에 사람들이 오래 입고, 그래서 결과적으로 타임리스한 옷이 된 것 같아요. 이번 전시회를 통해 이 점이 또 한 번 증명된 것 같습니다.

Q. 맞춤옷이 아닌 기성복을 만들어야겠다고 생각하신 계기가 있으신가요? 그 시대 여성들에게 옷은 어떤 의미였나요?

제가 미국에서 공부할 때는 이미 기성복이 일반적인 시스템이었기 때문에, 새로운 개념이 아니라 자연스러운 것이었어요. 그런데 한국에 돌아와 보니 상황이 많이 달랐습니다. 그 시절에는 한국 여성들이 직업을 갖는 경우가 흔치 않아서 옷도 크게 필요하지 않았습니다. 보통은 치마저고리를 입고 다녔죠. 그러다 해방 이후 외국 기업들이 들어오고 여성들이 직장을 갖기 시작하면서 외출과 사회 활동이 늘어났습니다. 당시에는 타이핑과 영어 회화가 가능하면 직장을 구했어요. 그러다 보니 여성들도 일할 때 입을 옷이 필요해졌습니다. 치마저고리 차림으로는 일하기에 불편한 점이 많았고, 맞춤옷은 가격이 비싸 누구나 입기 어려웠어요. 그래서 간편하게 입을 수 있고, 직접 입어보고 선택해서 살 수 있는 옷이 필요하다고 생각했습니다. 그때 제가 내세웠던 캐치프레이즈가 ‘마음대로 입어보고 선택할 수 있는 옷’이었어요. 그것이 한국에도 필요한 새로운 옷의 방식이라 생각했고, 그래서 기성복을 시작하게 됐습니다. 저는 옷을 만들면서 여성들이 조금 더 당당해지기를 바랐습니다. 옷을 통해 자존심도 살리고 자신의 능력도 발휘하면서 자기 인생을 살아가기를 원했습니다.

Q. 선생님께서는 디자이너로서뿐 아니라 원단 개발과 해외시장 진출을 통해 한국 패션산업의 기반을 만드는 일도 해오셨습니다.

제가 패션 디자인을 시작했을 당시는 우리나라 1인당 GDP가 57달러였어요. 지금은 거의 4만 달러에 육박하죠. 한국전쟁 때 부산으로 피난을 갔는데, 수많은 사람이 죽어가는데도 패션은 도통 쓸모가 없더라고요. 패션 대신 의학을 공부했다면 훨씬 좋았겠다 생각했죠. 그때 마음의 상처라고 할까? 처음이자 마지막으로 패션 공부한 것을 후회했어요.
1956년 파리에서 6개월간의 패션 공부를 마치고 귀국하는 길에 이탈리아에 들렀는데, 거기서 그 나라가 패션 강국이 된 건 섬유산업이 뒷받침됐기 때문이라는 이야기를 듣고 ‘나도 대한민국을 위해 할 일이 생겼구나’ 했죠. 패션은 옷을 디자인하는 것만으로는 완성될 수 없습니다. 섬유가 있어야 옷이 만들어지고, 그러면 산업도 함께 성장할 수 있는 것이죠. 그래서 직접 공장들을 찾아다니며 원단 개발을 함께했고, 해외시장에 한국 원단과 옷을 소개하는 일도 했습니다.
그렇게 시작한 일이 결국 뉴욕 컬렉션으로 이어졌습니다. 당시 제 옷을 보고 처음에는 다들 유럽 디자이너 컬렉션인 줄 알았답니다. 그런데 한국 디자이너의 디자인에 한국산 원단까지, 모두 한국 것이라는 설명서를 읽고 놀라워했죠. 당시 저명한 〈시카고 데일리 뉴스〉의 퍼트리샤 셸턴 평론가는 신문에 ‘절제된 우아함’이 겸비된 옷이라고 대서특필해 줬습니다. 그때부터 자신감을 갖고 여러 일을 도모할 수 있었어요.

Q. 지금 선생님의 작업을 처음 만나는 분들에게 기술이나 재료가 아닌 ‘태도’ 하나만 전한다면 무엇을 말해주고 싶으신가요?

젊은 사람들에게 꼭 하고 싶은 말이 있다면 ‘겸손’입니다. 겸손한 마음으로 자기 일을 열심히 하고 있으면 주변에서 도와주는 사람이 반드시 생깁니다. 저도 그렇게 한 단계 한 단계 올라오며 여기까지 왔다고 생각합니다.

Q. ‘길을 만든 사람으로 산다는 것’은 어떤 의미였나요? 어떤 사람으로 기억되고 싶으신가요?

저는 장인으로 기억되고 싶습니다. 자기 일을 묵묵히 계속하는 사람, 장인 정신으로 일한 디자이너로 기억된다면 그것으로 충분합니다.